Um exercício para tentar manter a sanidade durante o período de quarentena. Listo e comento abaixo 30 destaques das minhas sessões de cinema no primeiro trimestre, divididos em duas seleções: Descobertas, com filmes produzidos ao longo de toda a história do cinema, e Novos Olhares, onde estão as produções que estrearam em 2020 nos cinemas e filmes com até três anos de existência.

Parte II – Segundo Trimestre
Parte III – Terceiro Trimestre
Parte IV – Quarto Trimestre

DESCOBERTAS
(em ordem alfabética)

A Árvore, o Prefeito e a Mediateca (Éric Rohmer, 1993)

Diretor de uma regularidade inigualável, Éric Rohmer faz aqui um dos seus filmes mais políticos. Expõe em tela diferentes ideologias, visões e perspectivas sobre temas complexos (política, jornalismo, ecologia, sociologia, arquitetura, modernidade), criando personagens respeitosos, ponderados e inteligentes independente de quais sejam as suas convicções. Um verdadeiro estímulo ao debate e um antídoto à era da pós-verdade, onde a ironia e as fake news são as principais armas de uma guerra de narrativas medíocre.

Ainda Resta uma Esperança (John Schlesinger, 1962)

Esteve recentemente em cartaz no Mubi, em uma retrospectiva sobre o início da carreira de Schlesinger. É um representante legítimo do kitchen sink drama, ou “realismo na pia da cozinha”, movimento que marcou as artes britânicas na década de 1960, protagonizado por jovens trabalhadores dos subúrbios, explorados pela sociedade industrial. Não vi os demais filmes da retrospectiva, mas a abordagem franca sobre tabus sexuais e sociais torna este um filme notável.

A Maldição da Pantera Negra (Robert Wise e Gunther von Fritsch, 1944)

O que fazer quando lhe é designada a missão de filmar a sequência de um grande filme? Encontrar nas entrelinhas do original caminhos inexplorados para produzir outro grande filme. O que surpreende aqui é justamente como a obra dá continuidade à mitologia do clássico de Jacques Tourneur enquanto propõe uma abordagem inovadora, que resgata essa mitologia para reestabelecer todo um ato de fé nos mecanismos da fábula e no poder da imaginação.

Amsterdamned (Dick Maas, 1988)

Produção holandesa ambientada na até então pacata Amsterdã, combinando elementos de gêneros italianos como o giallo e o poliziesco, com uma série de assassinatos que vão transformando os pontos turísticos da cidade em uma experiência terrível para os turistas. É tão prazeroso e inusitado quanto a descrição faz parecer. Tem serial killer fantasiado, assassinatos, ação movimentada e uma extraordinária perseguição de barco pelos canais da capital holandesa.

Cuadecuc, Vampir (Pere Portabella, 1971)

Pere Portabella acompanha o set de Conde Drácula, adaptação de Jesus Franco para a clássica história de vampiros de Bram Stoker. O que teoricamente seria um registro documental dos bastidores torna-se uma reinvenção da mesma história sob a forma de ensaio fílmico, reconstituindo a narrativa e o processo de encenação do filme por meio de imagens inebriantes, captadas em um preto e branco ultra contrastado (efeito obtido com a utilização de película de som 16mm no lugar da tradicional película para imagens). É uma experiência fabulosa.

Duvidha (Mani Kaul, 1973)

Histórias de amor post-mortem são irresistíveis. Duvidha é uma versão cinematográfica moderna de um conto folclórico indiano, com fantasmas e duplos e mulheres enfrentando tabus ancestrais, porém evocando uma sensação de ausência fortíssima por boa parte da ação estar registrada em imagens estáticas ao invés das tradicionais imagens em movimento do cinema, o que atribui ao próprio filme uma condição fantasmagórica.

Gideon of Scotland Yard (John Ford, 1958)

Projeto incomum na filmografia de John Ford, um policial urbano com olhar satírico para a cultura britânica e o ritmo de vida das metrópoles. Enquanto a descrição visual dos ambientes parece extraída de um set do Hitchcock, a dinâmica de trabalho dos policiais tem um delicioso toque hawskiano. Uma daquelas narrativas a day in a life com múltiplos e surpreendentes acontecimentos decorridos em um breve período de tempo.

Hanyo, A Empregada (Kim Ki-young, 1960)

O cinema coreano ganhou notoriedade mundial após o Oscar de Parasita; é um momento oportuno para conhecer algumas obras clássicas da cinematografia do país referenciadas por Joon-ho Bong. A mais óbvia delas é este Hanyo, A Empregada, que reflete o mesmo jogo de poder perverso entre patrões e empregados, a mesma estrutura milenar de subserviência sendo desmontada através da modulação de gêneros distintos (horror, drama, thriller, comédia).

House of Games (David Mamet, 1987)

Estreia do roteirista David Mamet na direção, lançada no mesmo ano de Os Intocáveis, de Brian de Palma, um de seus roteiros mais famosos. Enquanto no outro o protagonismo policial tem um toque de moralismo institucional, este aqui é bem mais centrado na adrenalina provocada pelo crime, com uma psiquiatra escritora se deixando absorver por uma intriga que a ensina os mecanismos amorais do ato criminoso.

Hitch Hike (Pasquale Festa Companile, 1977)

Um entre tantos filmes italianos que estão surgindo no catálogo da Amazon Prime (listei aqui 150 dicas de filmes disponíveis na plataforma). Dirigido por Companile, roteirista de dois grandes filmes de Luchino Visconti (O Leopardo e Rocco e Seus Irmãos). Um road movie à italiana pelas estradas da Califórnia, repleto de violência e plot twists, incluíndo também um incisivo núcleo de vingança feminina contra a brutalidade machista.

Justiça Injusta (Cy Endfield, 1950)

Noir que usa como ponto de partida o mesmo caso real adaptado por Fritz Lang no clássico Fúria. Dificuldades financeiras que levam um homem comum a cometer um ato ilícito que tomará proporções alarmantes, provocando uma onda de linchamentos e descontrole em massa. Assim com outros filmes do estilo (o próprio Fúria e Consciências Mortas devem ser os mais famosos), expõe um comportamento violento que segue muito presente em nossas relações sociais (é um grupo de Whats app a céu aberto aquele final…).

Murder Obsession (Riccardo Freda, 1981)

Último filme do mestre Freda, um dos precursores do horror italiano. É uma combinação de elementos do giallo e do horror gótico, com uma história banal sustentada por algumas ótimas sequências. O destaque vai para as passagens de sonhos e delírios ambientadas nos porões de uma mansão repleta de segredos ocultos, nas quais Freda explora toda sua habilidade de artesão visual com uma atmosfera gótica e hábil modulação do fantástico.

Na Cidade Branca (Alain Tanner, 1983)

Um marinheiro desertor abandona seu navio e escolhe um quarto qualquer em uma hospedaria de Lisboa, passa os dias vivendo uma vida em suspensão, explorando a cidade com sua câmera portátil, registrando pequenos fragmentos cotidianos, flertando e vivendo novos amores – até onde o dinheiro permitir. As imagens finais são das mais bonitas que vi recentemente. Sobre aprender a contemplar a beleza do mundo mesmo nas situações mais adversas.

Nausicaä do Vale do Vento (Hayao Miyazaki, 1984)

A essa altura todos já devem saber que a Netflix disponibilizou boa parte do acervo do Studio Ghibli, incluindo os principais filmes de Miyazaki. Animação nunca foi uma preferência pessoal, mas as de Miyazaki são realmente impressionantes pelo equilíbrio entre a inventividade formal e uma fabulação muito rica, criando alegorias sobre temas extremamente humanos e delicados. Nausicaä é um libelo pacifista com uma sensibilidade que só poderia vir da cultura japonesa.

O Moinho das Mulheres de Pedra (Giorgio Ferroni, 1960)

Destaque da coleção de horror gótico italiano lançada recentemente pela Versátil. Ambientado no interior da Holanda, com suas paisagens rurais e moinhos de pedra, trazendo elementos fantásticos que dialogam com as produções de Bava, Freda e Margheriti do mesmo período. O conceito geral é ótimo e permite a exploração de signos visuais muito potentes, com destaque para as mulheres transformadas em manequins de pedra que preenchem o cenário e dão corpo ao mistério central.

Palombella Rossa (Nanni Moretti, 1989)

Uma discussão sobre os rumos da esquerda italiana após a queda do muro de Berlim, uma expurgação de traumas e neuroses pessoais. A arena de pólo aquático de um clube privado vira um palco público onde políticos, historiadores, psicanalistas, cineastas e atletas expõem as feridas de um país à beira da loucura. A participação especial do Raul Ruíz e aquela cena inacreditável com a arena parando para assistir ao final de Doutor Jivago na TV são absolutamente geniais.

Pieces (Juan Piquer Simón, 1982)

Assassino monta um quebra-cabeças desmontando corpos femininos. O título do filme já é dos mais literais possíveis, e a história segue a mesma literalidade considerando que o que move a narrativa é o encadeamento entre uma set piece grotesca e outra, com um serial-killer encontrando novas e inventivas maneiras de fatiar cadáveres. A enxurrada de sangue e vísceras remete a O Massacre da Serra Elétrica, com menos substância mas muita diversão.

Rapado (Martín Rejtman, 1992)

Filme importante para a geração do novo cinema argentino que ascendeu na década de 1990, influenciando o trabalho de cineastas como Lucrecia Martel e Lisandro Alonso. Martín Rejtman merece maior crédito fora do seu país e esta é uma bela porta de entrada para conhecer o trabalho do diretor, suas pequenas histórias cotidianas com jovens que crescem buscando formar uma identidade em um país cheio de incertezas.

11×14 (James Benning, 1977)

Estreia e síntese do projeto de cinema de James Benning. A estrutura é metódica e evidencia um caráter formalista, expondo logo no título um detalhe técnico dos fotogramas. Porém, são imagens que não se fecham em seu dispositivo, compreendem em si uma coleção de signos que refletem um olhar ao mesmo tempo crítico e atento para os EUA, enquadrando em suas imagens as paisagens e as vidas que caracterizam a América.

20.000 Léguas Submarinas (Richard Fleischer, 1954)

Aventura clássica com um senso de fantasia e encantamento cada vez mais raro no cinema hollywoodiano, ainda mais o dessa geração Marvel/DC (possivelmente a pior fase do cinema popular em todos os tempos). Cenários e enquadramentos impressionantes, não apenas materializando como também potencializando a visão imaginativa da história de Julio Verne, por si só já uma grande história com seu inesquecível capitão e exército subaquático em busca de vingança.

NOVOS OLHARES

(em ordem alfabética)

A Telenovela Errante (Raul Ruíz e Valeria Sarmiento, 2017)

A montadora Valeria Sarmiento, ex-esposa e companheira de trabalho de Raul Ruíz, vem recuperando alguns filmes engavetados do falecido cineasta chileno. Este é o que sobrou do exercício de um workshop ministrado por ele, brincando com a linguagem popular das telenovelas para devolver um olhar sarcástico sobre a política e a cultura chilena (mas dialogando com toda a América Latina). Um filme incompleto, com aquele charme que só os filmes incompletos têm.

Ameaça Profunda (William Eubank, 2020)

Rejeitado por crítica e público quando passou nos cinemas em janeiro, é um sci-fi sem grandes ambições dramáticas porém eficiente, com uma unidade de ritmo e tensão contínua durante seus econômicos 90 minutos, além de um bom senso de progressão na revelação dos mistérios. A ambientação do fundo do mar traz bonitas texturas de luzes e sombras ocultando monstros desconhecidos, e reproduz a mesma ideia de solidão e isolamento das histórias espaciais.

Dark Waters (Todd Haynes, 2019)

A sinopse pode induzir o espectador a pensar que é apenas mais um filme denúncia aos moldes de Spotlight. Na verdade, está mais próximo de um Zodíaco, interessado não apenas na investigação e no trâmite jurídico, mas nos efeitos do caso nos principais envolvidos e a perturbadora espera por justiça – potencializada pelo horror que é viver num mundo formado por conluios inabaláveis entre governos e grandes corporações. A fotografia granulada habitual das colaborações entre Haynes e o fotógrafo Ed Lachman serve muito bem à história.

In My Room (Ulrich Köhler, 2018)

Adão e Eva no pós-apocalipse. Comédia alemã dirigida pelo companheiro de Maren Ade, com um homem e uma mulher sobrevivendo sozinhos pelos escombros da Europa. É um achado, tem sido raras as oportunidades de encontrar no cinema para festivais um filme que arrisca pisar fora do terreno seguro desse meio como este pisa. Comédia existencial onde mesmo num cenário de total devastação a conciliação de desejos é impossível.

Martin Eden (Pietro Marcello, 2019)

Formação e ruína de um escritor socialista durante a Europa do século XX. Dirigido por um cineasta com trajetória antes dedicada ao cinema experimental, é outro que traz um frescor estético, embora ainda lide com a tradicional fórmula ascensão/declínio. Esteticamente é belíssimo, e a elipse que conecta a juventude com a maturidade do protagonista é uma subversão notável dessa fórmula –  não há espaço na obra para os dias de prestígio, só para o sofrimento e a decadência.

O Caso Richard Jewell (Clint Eastwood, 2019)

Em mais uma adaptação de história real sobre heroísmo e justiça, Eastwood reavalia a cultura law and order norte-americana em um conto onde o herói é colocado em dúvida, sofrendo injustiças nas garras do governo e da mídia. O toque de midas, novamente, é o domínio narrativo preciso de Eastwood e seu cuidado ao retratar protagonistas que flertam com valores discutíveis, borrando as barreiras morais dos heróis comumente retratados pelo cinema e ampliando as camadas de percepção sobre sua obra, discutindo temas polêmicos sem perspectivas totalizantes.

O Oficial e o Espião (Roman Polanski, 2019)

A carreira do filme nos cinemas foi interrompida pelo surto de Covid-19, mas já está disponível na internet. É um conto de injustiça que muitos têm relacionado à própria trajetória de Polanski, hoje um foragido. Mas não é aí que reside seu interesse, e sim em como constrói com a habitual sofisticação dos thrillers do cineasta uma história que coloca em cheque a coerência das ações governamentais, militares e da própria justiça, organizações que desde muito tempo detém um poder sobre o indivíduo nem sempre usado para os fins mais justos.

O Traidor (Marco Bellocchio, 2019)

Os holofotes miraram em Scorsese e O Irlandês, mas esse filme irmão italiano merece tanta atenção quanto. Filma a relação entre a máfia Cosa Nostra e a sociedade italiana, entretanto começa como um filme de gângster para se revelar mais à frente algo como uma comédia de tribunal que evidencia as mazelas morais do país, berço do fascismo e de fenômenos políticos como o odiável Berluschoni – que ascenderia logo após o fim da história narrada. A Itália desnudada em um verdadeiro circo de horrores filmado por um mestre veterano.

Retrato de uma Jovem em Chamas (Céline Sciamma, 2019)

Entre a representação do desejo e o desejo pela representação. Duas mulheres apaixonadas trocando olhares e recordações, beijos e imagens, produzindo memórias sobre a cama e sobre a folha de papel. Sciamma filma a intimidade das personagens com uma intensidade notável, refletindo um olhar visivelmente empenhado em expressar o sentimento delas, permitindo que os gestos e olhares das atrizes ditem o ritmo das cenas e os silêncios sejam sempre muito expressivos.

Uncut Gems (Josh Safdie e Benny Safdie, 2019)

Os Safdies potencializam suas neuroses tornando esse filme ainda mais refém da paranoia do protagonista – seu trabalho anterior, Bom Comportamento, já fazia o mesmo em menor medida. Muitos já comentaram, mas é inevitável descrever Uncut Gems como uma experiência física que se compara a um ataque de pânico de duas horas. Presenciamos diariamente o mundo do capital ruindo e toda uma crise de saúde pública sendo resumida a uma discussão sobre economia, mercado e liquidez financeira, ver esse filme durante a quarentena é praticamente uma experiência suicida.

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